로스앤젤레스, 더 브로드 미술관의 키스 해링 개인전 “예술은 모두를 위한 것.. 외
USA_Los Angeles
더 브로드 미술관의 키스 해링 개인전 “예술은 모두를 위한 것
로스앤젤레스의 현대미술관 더 브로드(The Broad)는 5월 27일부터 10월 8일까지 미국의 팝아티스트 키스 해링(Keith Haring, 1958-1990)의 개인전 “키스 해링: 예술은 모두를 위한 것 (Keith Haring: Art Is for Everybody)”을 진행한다. 1970년대 후반 뉴욕 시각예술학교(School of Visual Arts) 학생이었던 시기부터 에이즈로 사망하기 2년 전인 1988년까지 제작한 작품 120여 점이 공개된다. 비디오, 조각, 드로잉, 회화, 그래픽 작품과 더불어 지하철역에 남긴 그라피티(벽에 남기는 낙서 예술)를 재현한 작품도 볼 수 있다.
해링은 1970년대 후반부터 1990년까지 앤디 워홀(Andy Warhol, 1928-1987), 장 미쉘 바스키아(Jean-Michel Basquiat, 1960-1988) 등과 함께 뉴욕 팝아트를 주도하며 활발히 활동했다. “예술은 모두를 위한 것 (Art is for everybody)”라는 믿음을 바탕으로 예술과 일상의 경계를 흐리고자 했다. 그의 작품은 강렬한 원색과 간결한 선, 짖는 개나 빛을 내는 몸처럼 반복적으로 등장하는 만화적인 형상이 특징적이다.
해링은 핵무기 개발, 인종차별, 에이즈의 치명적인 유행과 같이 당대의 사회적인 문제들을 적극적으로 다뤘다. 전시는 해링의 작품의 사회 참여적 성격을 부각시키며, 또한 해링의 일기에서 참고한 내용을 바탕으로 예술과 삶에 대한 그의 생각을 소개한다.
현재 미술관에서는 키스 해링 특별전과 나란히 장 미쉘 바스키아, 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein, 1923-1997), 쿠사마 야요이(Yayoi Kusama, 1929-)의 작품이 전시되고 있다.
USA_Los Angeles
데이비드 즈워너 갤러리의 로스앤젤레스점 개관과 은지데카 아쿠니일리 크로스비 개인전
지난 5월 23일부터 데이비드 즈워너 갤러리는 로스앤젤레스에 분점을 개관하며 첫 전시로 은지데카 아쿠니일리 크로스비(Njideka Akunyili Crosby, b. 1983)의 개인전 “다시, 꿰뚫어 보기 위해 돌아오기 (Coming Back to See Through, Again)”를 선보이고 있다.
전시는 7월 29일까지 진행되며, 이후 데이비드 즈워너 갤러리 뉴욕 지점으로 이동해 진행될 예정이다. 아쿠니일리 크로스비는 2017년 맥아더 상을 받고 유수 기관에 작품이 소장된 인지도 높은 작가로, 2018년부터 데이비드 즈워너 갤러리에 소속되어 전시를 진행하고 있다. 이번 전시에서는 구작과 더불어 작가의 대표적인 연작인 ‘아름다운 사람들 (The Beautiful Ones, 2012~)’의 신작을 두 개 선보인다.
아쿠니일리 크로스비는 나이지리아 출생으로, 10대였던 1999년 미국에 왔다. 그의 작품은 그가 경험한 혼종적 문화와 아프리카의 문화적 배경을 드러낸다. 그는 자신의 개인적인 이미지들과 나이지리아의 잡지에서 가져온 사람, 장소, 사물의 이미지를 엮어 아프리카 디아스포라 정체성을 복합적으로 드러내는 현대적 삶의 장면들을 묘사한다. 이 복합성은 기법 면에서도 드러난다. 그는 화면의 부분 부분을 여러 겹으로 쌓으며, 아크릴 물감, 파스텔, 색연필, 사진 전사(스캔 된 사진에 열을 가해 사진의 무늬를 캔버스에 옮기는 기법) 등 여러 기법을 활용해서 한 화면을 구성한다.
USA_San Francisco
점토를 활용하는 조각가 안나 수 호이의 샌프란시스코 현대미술관 개인전
샌프란시스코 현대미술관(The San Francisco Museum of Modern Art, SFMOMA)은 7월 16일까지 “안나 수 호이 신작 (New Work: Anna Sew Hoy)”을 선보인다. 안나 수 호이(Anna Sew Hoy, b. 1976)는 로스앤젤레스에서 활동하며 도자기와 직물, 일상의 사물을 활용해 추상적인 입체 작품을 만든다. 수 호이는 전통적인 공예 재료인 점토를 활용해 현대미술과 수작업의 관계를 문제시하는 것으로 잘 알려졌다.
이번 전시에서는 ‘자라나는 폐허 (Growing Ruins)’ 연작을 선보인다. 바닥에 놓인 작품들은 손으로 만든 점토 아치, 금속 케이지, 충전선이나 청바지 조각 등이 뒤얽힌 형상으로 바닥으로부터 자라나는 인상을 준다. 전시는 작품을 폐허가 된 도시나 파괴된 땅에서 주운 전자기기 부품들로 만든 대피소에 비유하며, 작가의 관심사를 사물을 뒤집어 봄으로써 외부 세계와 개인의 내면의 관계에 대한 공간적 표현을 시도하는 것으로 설명한다.
In Paris, “Before the Storm,” Pinault Collection’s Group Exhibition Imagines a New Season amid the Climate Crisis.. and More
파리, 기후위기 가운데 새로운 계절을 상상하는 피노 컬렉션의 단체전 “폭풍이 오기 전”.. 외
France_Paris
“Before the Storm,” Pinault Collection’s Group Exhibition Imagines a New Season amid the Climate Crisis
기후위기 가운데 새로운 계절을 상상하는 피노 컬렉션의 단체전 “폭풍이 오기 전”
파리의 부르스 드 코메르스 미술관(Bourse de Commerce)은 9월 11일까지 유수 작가들의 단체전 “폭풍이 오기 전 (Avant l’orage)”을 선보인다. 부르스 드 코메르스는 19세기에 지어진 곡물창고로, 현재는 피노 컬렉션(Pinault Collection)의 사립 미술관으로 활용되고 있다. 1960년대부터 최근까지 현대미술의 주요 작품들을 다양한 매체와 주제에 걸쳐 소장하고 있다.
“폭풍이 오기 전”은 기후 위기를 기존 계절의 질서가 교란되어 새로운 계절을 상상해야 하는 문제로 보고 15명의 작가를 한자리에 모았다. 옛 곡물창고였던 미술관 건물이 가진 식민 지배와 국제 무역으로 지구의 자원을 착취해 온 역사와 돌, 유리, 철을 활용한 건축과 관련 지어 건물을 온난화 되는 ‘온실’에 비유하고, 그 공간에 미술 작품을 들여옴으로써 새로운 시간과 공간을 경험하도록 한다.
참여작가는 다니엘 스티그만 망그라네(Daniel Steegmann Mangrané, b. 1977), 도미니크 곤잘레스 포에스터(Dominique Gonzalez-Foerster, b. 1965), 로버트 고버(Robert Gober, b. 1954), 루카스 아루다(Lucas Arruda, b. 1983), 브누아 피에롱(Benoît Piéron, b. 1983), 사이 트웜블리(Cy Twombly, 1928-2011), 아니카 이(Anicka Yi, b. 1971), 알리나 샤포치니코프(Alina Szapocznikow, 1926-1973), 자인보(Danh Vo, b. 1975), 주디 시카고(Judy Chicago, b. 1939), 타시타 딘(Tacita Dean, b. 1965), 투 반 트란(Thu Van Tran, b. 1979), 프랭크 보울링(Frank Bowling, b. 1934), 피에르 위그(Pierre Huyghe, b. 1962), 히참 베라다(Hicham Berrada, b. 1986)이다.
The Bourse de Commerce in Paris is a 19th-century grain warehouse now serving as a private art museum for the Pinault Collection. The collection houses major works of contemporary art from the 1960s to the present, across a wide range of media and subjects. The Bourse de Commerce presents “Before the Storm (Avant l’orage)” through September 11.
“Before the Storm” brings together 15 leading international artists with the idea of the climate crisis as a challenge to imagine new seasons amid the disruption of the existing order. Considering the museum building’s history of colonization and exploitation of the earth’s resources through international trade, as well as its architecture of stone, glass, and iron, the show likens the building to a warming “greenhouse” and invites viewers to experience a new time and space brought by the artworks into the museum space.
The participating artists are Daniel Steegmann Mangrané (b. 1977), Dominique Gonzalez-Foerster (b. 1965), Robert Gober (b. 1954), Lucas Araújo (b. 1954), and Lucas Araújo (b. 1954). 1954), Lucas Arruda (b. 1983), Benoît Piéron (b. 1983), Cy Twombly (1928-2011), Anicka Yi (b. 1971), and Alina Chapeau (b. 1971). 1971), Alina Szapocznikow (1926-1973), Danh Vo (b. 1975), Judy Chicago (b. 1939), Tacita Dean (b. 1965), and Thuy Van Tran (b. 1965). 1965), Thu Van Tran (b. 1979), Frank Bowling (b. 1934), Pierre Huyghe (b. 1962), and Hicham Berrada (b. 1986).
Netherlands_Amsterdam
“Van Gogh in Auvers,” Van Gogh’s Last Two Months in Amsterdam
“오베르의 반 고흐”, 암스테르담에서 선보이는 반 고흐의 마지막 두 달
암스테르담의 반 고흐 미술관은 9월 3일까지 “오베르의 반 고흐. 그의 마지막 달들 (Van Gogh in Auvers. His Final Months)”을 선보인다. 5월 12일 개막한 전시는 미술관의 개관 50주년을 맞아 오르세 미술관 및 사립 컬렉션과 협력해 대규모로 이루어지고 있다. 50여 개 그림과 30여 개 드로잉으로 빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh, 1853-1890)의 마지막 시기의 창작활동을 포괄적으로 선보인다.
네덜란드 출신의 후기 인상주의자 반 고흐는 1890년 5월 20일부터 7월 29일 사망 전까지 파리 근처 오베르 쉬르 우아즈(Auvers-sur-Oise) 마을에 살았다. ‘까마귀가 나는 밀밭 (Wheatfield with Crows, 1890)’, ‘폴 가셰 박사 (Doctor Paul Gachet, 1890)’, ‘오베르 쉬르 우아즈의 교회 (The Church of Auvers-sur-Oise, 1890)’ 등 그의 대표작 여럿이 이 시기에 만들어졌다.
마을에 도착한 직후 반 고흐는 매일 한 개 이상의 그림을 그릴 정도로 왕성한 창작력을 보였으나 두 달 남짓 후 사망했다. 전시는 마지막 날들의 기록과 말들을 바탕으로 그가 스스로 목숨을 끊었다고 본다. 그러나 그는 마지막까지 색, 붓질, 형식, 주제에 관해 새로운 접근을 실험했고, 사망 후 그의 작품은 점차 명성을 얻었다.
The Van Gogh Museum in Amsterdam presents “Van Gogh in Auvers. His Final Months” through September 3. Opened on May 12, the exhibition marks the museum’s 50th anniversary and features a large-scale collaboration with Musée d’Orsay and private collections. With more than 50 paintings and 30 drawings, it offers a comprehensive look at the creative output of Vincent van Gogh (1853-1890) in his final months.
Dutch-born Post-Impressionist, Van Gogh lived in the village of Auvers-sur-Oise, near Paris, from May 20, 1890, until his death on July 29, 1890. Many of his best-known works, including ‘Wheatfield with Crows (1890),’ ‘Doctor Paul Gachet (1890),’ and ‘The Church of Auvers-sur-Oise (1890),’ were created during this period.
Soon after arriving in the village, Van Gogh was enormously productive that he painted more than one picture every day, but he died over two months later. Based on notes and words in his final days, the exhibition believes he took his own life. Until his death, he continued experiments with new approaches to color, brushwork, form, and subject matter, and his work gradually gained a reputation after his death.
UK_London
Tate Modern: “Hilma af Klint & Piet Mondrian: Forms of Life”
테이트 모던: “힐마 아프 클린트 & 피에트 몬드리안: 생명의 형태”
런던의 테이트 모던(Tate Modern) 현대미술관은 9월 3일까지 “힐마 아프 클린트 & 피에트 몬드리안: 생명의 형태 (Hilma af Klint & Piet Mondrian: Forms of Life)”를 선보인다. 스웨덴 출신의 추상화가 힐마 아프 클린트(Hilma af Klint, 1862-1944)와 네덜란드 출신의 추상화가 피에트 몬드리안(Piet Mondrian, 1872-1944)은 만난 적 없지만 공통적으로 자연의 형상에 뿌리를 둔 추상 언어를 개발해 현대 회화에 선구자적인 역할을 했다.
추상화로 가장 널리 알려졌지만, 몬드리안과 클린트는 모두 풍경화가로 작품 활동을 시작했으며, 자연의 형태에 대한 묘사를 거쳐 추상적인 화면 구성으로 나아갔다. 전시는 그간 간과된 아프 클린트의 업적과 작품에 주목한다는 의미를 갖는다. 또, 두 작가의 추상화와 함께 그간 자주 공개되지 않은 꽃 그림을 선보임으로써 추상을 향한 두 사람의 예술적 여정의 근간에 땅의 생명을 이해하려는 공통적인 욕망이 있었음을 조명하고자 한다.
London’s Tate Modern presents “Hilma af Klint & Piet Mondrian: Forms of Life,” on view through September 3. Swedish abstractionist Hilma af Klint (1862-1944) and Dutch abstractionist Piet Mondrian (1872-1944) never met, but together they pioneered modern paintings by developing an abstract language rooted in natural forms. The exhibition shines a spotlight on the long-overlooked career and work of af Klint in relation to Mondrian’s paintings.
Although best known for their abstraction, Klint and Mondrian both began their careers as landscape painters, moving from depictions of natural forms to abstract compositions. By presenting rarely presented floral paintings alongside their abstract paintings, the exhibition aims to highlight the underpinning desire to understand the life on the earth shared by both artists through their journeys towards abstraction.
Sydney, National Biennial “The National 4: Australian Art Now” in Four Sydney Art Institutions.. and More
시드니, 네 개 미술관에서 열리는 호주 국가 비엔날레 “더 내셔널 4: 호주 현대 미술”.. 외
Australia_Sydney
National Biennial “The National 4: Australian Art Now” in Four Sydney Art Institutions
네 개 미술관에서 열리는 호주 국가 비엔날레 “더 내셔널 4: 호주 현대 미술”
현재 시드니에서는 호주의 국가 비엔날레인 “더 내셔널 4: 호주 현대 미술 (The National 4: Australian Art Now)”이 진행되고 있다. “더 내셔널”은 호주 국적의 다양한 세대와 커뮤니티의 작가들을 초대해 호주 현대 미술계의 다채로움을 선보이고자 기획되었으며 올해 4회를 맞이했다.
비엔날레는 뉴 사우스 웨일스 아트 갤러리(Art Gallery of New South Wales), 캐리지웍스(Carriageworks), 호주 현대미술관(Museum of Contemporary Art Australia, MCA Australia), 캠벨타운 아트 센터(Campbelltown Arts Centre, C-A-C)의 네 문화기관의 협력으로 진행된다. 캠벨타운 아트 센터는 이번 회차부터 합류했으며, 이전까지는 세 개 기관이 비엔날레를 운영했다.
다니엘 보이드(Daniel Boyd, b. 1982), 브룩 앤드류(Brook Andrew, b. 1970), 압둘 압둘라(Abdul Abdullah, b. 1986), 조 로이드(Jo Lloyd, b. 1975) 등 호주의 대표적인 작가들부터 주요 기관 전시가 처음인 작가들까지, 호주 국적의 작가 80여 명이 48개 프로젝트를 선보인다. 전시되는 작품은 몰입형 비디오 작품, 퍼포먼스 아트, 조각과 대규모 설치 등 다양하며 통일된 주제는 없다. 작품들은 세대 간의 배움, 언어의 역할, 사적인 경험과 사회정치적 환경의 관계 등 넓은 주제로 느슨하게 연결된다.
“The National 4: Australian Art Now” is currently on view in four Sydney art institutions. “The National,” now in its fourth year, is designed to showcase the diversity of Australia’s contemporary art scene by inviting artists from different generations and communities of Australian nationality.
The Biennial is a collaboration between four cultural institutions: the Art Gallery of New South Wales, Carriageworks, Museum of Contemporary Art Australia (MCA Australia), and Campbelltown Arts Centre (C-A-C). Campbelltown Arts Center joined the partnership this year for the first time.
More than 80 Australian artists present 48 projects, artists ranging from established names such as Daniel Boyd (b. 1982), Brook Andrew (b. 1970), Abdul Abdullah (b. 1986), and Jo Lloyd (b. 1975) to those exhibiting at major institutions for the first time. Featured works range from immersive video work to performance art, sculpture, and large-scale installations. Not put into the unifying theme, the featured works are interconnected by broad themes such as intergenerational learning, the role of language, and the relationship between personal experience and the sociopolitical structure.
Japan_Tokyo
Tokyo Metropolitan Art Museum: Henri Matisse Retrospective “The Path to Color”
도쿄도 미술관: 앙리 마티스 회고전 “색을 향한 길”
도쿄도 미술관(Tokyo Metropolitan Art Museum)은 8월 20일까지 “앙리 마티스: 색을 향한 길 (Henri Matisse: The Path to Color)”을 선보인다. 앙리 마티스(Henri Matisse, 1869-1954)는 20세기 프랑스 야수파를 대표하는 인물로, 선명한 색채와 직관적인 형태 묘사로 그의 시대와 그 이후에 큰 영향을 끼쳤다.
전시는 일본에서 20년 만에 열리는 대규모 마티스 회고전으로, 파리 퐁피두 센터의 소장품들 중에서 고른 작품을 대규모로 대여해 개최되었다. 회화뿐 아니라 조각, 드로잉, 판화, 컷-아웃(Cut-Outs), 말년의 베니스 로사리오 성당 디자인 프로젝트와 관련된 작품들까지, 아티스트의 커리어의 단계별 주요 작품들을 포괄적으로 선보인다.
The Tokyo Metropolitan Art Museum presents “Henri Matisse: The Path to Color” through August 20. The exhibition is the first major retrospective of Matisse’s work in Japan in 20 years, with a large-scale loan of works from the collection of the Centre Pompidou in Paris.
Henri Matisse (1869-1954) was a leading figure in the French Fauvist movement of the 20th century, with his use of vivid colors and intuitive depiction of form greatly influencing his era and after. In addition to paintings, the exhibition includes sculptures, drawings, prints, cut-outs, and works related to his later Venice’s Rosario Chapel design project, featuring key works from every stage of the artist’s career.
Qatar_Doha
Mathaf Arab Museum of Modern Art Exhibits 12 Photographers From WANA Region
마타프 아랍 현대미술관이 선보이는 서아시아와 북아프리카의 사진가 12인
카타르 도하 시의 마타프 아랍 현대미술관(Mathaf: Arab Museum of Modern Art)은 8월 5일까지 “나는 여행자이자 길이다 (I am the Traveler and Also the Road)”를 선보인다. 전시는 서아시아와 북아프리카 지역에서 작업하고 있는 12명의 사진가를 소개한다. 참여 작가들은 90년대생 젊은 사진가부터 오랜 기간 활동해 온 사진기자 등 다양하다. 이들은 2021년과 2022년에 Tasweer Photo Festival Qatar가 지역 사진가들을 지원하려는 취지로 지원한 Sheikh Saoud Al-Thani Project Award를 수상한 작가들이다.
Fatema Bint Ahmad Al-Doh는 파키스탄 칼라쉬(Kalash) 민족의 의례와 생활환경을, Hayat Al-Sharif는 기아, 전쟁, 팬데믹의 악조건 속 예멘 지역 여성의 일상을, Shaima Al-Tamimi는 예멘 여성으로서 가족의 초상화, 이주의 역사, 문화적 기억을 촬영했다. Samar Sayed Baiomy는 이집트 알렉산드리아의 어부 마을 엘 막스(El Max)의 파괴를 조사하고 사진, 구술사, 아카이브, 현장 답사로 기록했다.
Salih Basheer는 수단의 2021년 쿠데타와 혁명을 촬영했으며, Mohammed Elshamy는 2013년 8월 이집트 혁명과 민중 학살을, Reem Falaknaz는 아랍 에미리트 공화국과 오만 지역의 사회적, 심리적 풍경들을 담았다. Rula Halawani는 팔레스타인의 야생화에 대한 어린 시절의 기억을 바탕으로 이스라엘 정착촌으로 대체된 팔레스타인의 옛 풍경을, Mona Hassan은 가축을 기를 목초지를 찾아 이집트의 여러 주를 이동한 아랍 유목민 부족의 지난 2년간 기록해 왔다. Fethi Sahraoui는 사회적 풍경을 몽환적이고 주관적인 인상으로 포착하며, Abdo Shanan는 2019년 2월부터 이어진 ‘히락(Hirak)’ 비폭력 민중 저항 운동에 참여하는 알제리인들을 촬영한 작품을 선보인다.
The Mathaf Arab Museum of Modern Art in Doha, Qatar, presents “I am the Traveler and Also the Road” through August 5. The exhibition presents 12 photographers working in West Asia and North Africa. The artists range from young photographers born in the 90s to longtime photojournalists. The participating artists are recipients of the Sheikh Saoud Al-Thani Project Award, hosted by Tasweer Photo Festival Qatar in 2021 and 2022 to support local photographers.
Fatema Bint Ahmad Al-Doh captures the rituals and living conditions of the Kalash people of Pakistan, and Hayat Al-Sharif captures the daily lives of local women in Yemen amidst famine, war, and pandemics. Shaima Al-Tamimi captures family portraits, histories of migration, and cultural memories as a Yemeni woman. Samar Sayed Baiomy investigated the destruction of the fishermen’s village of El Max in Alexandria, Egypt, documenting it through photography, oral histories, archives, and fieldwork. Salih Basheer documented the 2021 coup and revolution in Sudan, Mohammed Elshamy documented the August 2013 Egyptian revolution and massacre, and Reem Falaknaz captured social and psychological landscapes in the United Arab Emirates and Oman. Rula Halawani recalls her childhood memories of Palestinian wildflowers to capture the old landscapes of Palestine that have been replaced by Israeli settlements. Mona Hassan has been documenting for two years an Arab nomadic tribe that has moved across Egypt’s governorates in search of pasture for their livestock. Fethi Sahraoui captures dreamy, subjective impressions of social landscapes, while Abdo Shanan photographs Algerians participating in the ‘Hirak’ nonviolent civil resistance movement that has been ongoing since February 2019.
