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London, White Cube Gallery: “Anselm Kiefer – Finnegans Wake”.. and More

UK_London

White Cube Gallery: “Anselm Kiefer – Finnegans Wake”

Installation view of Anselm Kiefer’s “Finnegans Wake” at White Cube, London, 2023. Courtesy of Anselm Kiefer and White Cube.

The White Cube gallery in Bermondsey, London, presents “Anselm Kiefer – Finnegans Wake” through August 20. Anselm Kiefer (b. 1945) is one of the leading figures of post-war contemporary art, whose work deals with the history and memory of post-war Germany.

Making references to texts from various fields, including poetry, philosophy, religion, and science is Kiefer’s distinctive characteristic, and in this exhibition, his new works brought their motives from James Joyce’s 1939 novel ‘Finnegans Wake.’ Concrete, copper, glass bottles, and unreadable books made of lead fill the exhibition space, with quotes from Joyce’s book inscribed throughout the works.

The exhibition is the final of a trilogy that Kiefer has been showing at White Cube Gallery since 2016. In 2016, “Walhalla” explored Norse mythology, and in 2019, “Superstrings, Runes, The Norns, Gordian Knot” featured paintings, sculptures, and installations based on Greek mythology.

Germany_Berlin

Berlinische Galerie: Stories of Extinct Species “Böhler & Orendt: The Sweet Certainty”

Installation view of “Böhler & Orendt: The Sweet Certainty” at Berlinische Galerie, Berlin, 2023. Photo: Harry Schnitger

The Berlinische Galerie presents “Böhler & Orendt: The Sweet Certainty” through August 14. Matthias Böhler (*1981) and Christian Orendt (*1980) have been working as a duo since 2008, using wit, irony, and black humor to tell stories about human overuse of resources, environmental degradation, and the extinction of other species by mankind.

The exhibition is in two parts. On the floor is a model of a giant ape and a group of workers gathered around it to collect raw materials. On the other side is a model of a spaceship that resembles a lotus bud.

Within it is a series of photo collages that imagine extinct animals emerging with mystical powers to mourn the Earth and rid it of what threatens it. The series is titled “The Sweet Certainty of Deliverance from the Darkness that Surrounds Us.”

Switzerland_Basel

Art Basel in Basel Begins in June 15

Exterior view of Art Basel building. Credit: Art Basel

Art Basel is an international art fair based in Basel, Switzerland, one of the world’s top three art fairs, along with Frieze and FIAC(Foire Internationale d’Art Contemporain). From June 15 to 18, Art Basel takes place in its home city of Basel.This year’s Art Basel features 284 galleries, showcasing the work of more than 4,000 artists from five continents.

Art Basel consists of several sections of projects and exhibitions: in ‘Galleries,’ participating galleries have their booths and showcase the work of their artists; ‘Unlimited’ features large-scale installations; ‘Feature’ shows solo exhibitions by 20th and 21st-century artists; ‘Statements’ presents solo projects by young and promising artists nominated for the Baloise Prize. 

‘Edition’ features prints and editions; ‘Parcours’ indicates site-specific works in the old city town; ‘Kabinett’ presents curated exhibitions of participating galleries; and ‘Film’ features video works.

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베를린 주립미술관: 멸종된 동물들의 이야기 “뵐러 & 오렌트: 달콤한 확신”전

Berlinische Galerie: Stories of Extinct Species “Böhler & Orendt: The Sweet Certainty”

Germany_Berlin

Installation view of “Böhler & Orendt: The Sweet Certainty” at Berlinische Galerie, Berlin, 2023. Photo: Harry Schnitger

베를린 주립 현대미술관(Berlinische Galerie-Museum für Moderne Kunst)은 8월 14일까지 “뵐러 & 오렌트: 달콤한 확신 (Böhler & Orendt: The Sweet Certainty)”를 선보인다. 마티아스 뵐러(Matthias Böhler, b. 1981)와 크리스티안 오렌트(Christian Orendt, b. 1980)는 2008년부터 듀오로 활동하며 인간의 자원 남용과 환경 파괴, 그리고 인간으로 인해 멸종된 다른 종의 이야기를 재치와 아이러니, 블랙 유머로 풀어 왔다.

The Berlinische Galerie presents “Böhler & Orendt: The Sweet Certainty” through August 14. Matthias Böhler (*1981) and Christian Orendt (*1980) have been working as a duo since 2008, using wit, irony, and black humor to tell stories about human overuse of resources, environmental degradation, and the extinction of other species by mankind.

전시는 두 부분으로 나눠진다. 한 곳에는 땅에 쓰러진 거대한 원숭이와 그를 둘러싸고 원자재를 채취하기 위해 모여 있는 일꾼들의 모형이 있다. 다른 곳에는 연꽃 봉오리를 닮은 우주선 모형이 있다.

The exhibition is in two parts. On the floor is a model of a giant ape and a group of workers gathered around it to collect raw materials. On the other side is a model of a spaceship that resembles a lotus bud.

그 안에는 멸종된 동물들이 신비로운 힘으로 나타나 지구를 위해 애도하고 지구를 위협하는 것들을 없앤다는 상상을 표현하는 포토콜라주 연작이 있다. 연작의 제목은 “우리를 둘러싼 어둠으로부터의 구원의 달콤한 확신 (The Sweet Certainty of Deliverance from the Darkness that Surrounds Us)”이다.

Within it is a series of photo collages that imagine extinct animals emerging with mystical powers to mourn the Earth and rid it of what threatens it. The series is titled “The Sweet Certainty of Deliverance from the Darkness that Surrounds Us.”

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아트 바젤, 본거지 바젤에서 6월 15일 개막

Art Basel in Basel Begins in June 15

Switzerland_Basel

Exterior view of Art Basel building. Credit: Art Basel

아트 바젤(Art Basel)은 스위스 바젤에 본거지를 둔 국제 아트 페어로, 프리즈(Frieze)와 피악(FIAC·Foire Internationale d’Art Contemporain)과 함께 세계 3대 아트 페어로 꼽힌다. 6월 15일부터 18일까지, 본거지 바젤에서 아트 바젤이 진행된다. 이번 아트 바젤에는 284개 갤러리가 참가해 5개 대륙 4,000명 이상의 작가의 작품을 선보인다.

Art Basel is an international art fair based in Basel, Switzerland, one of the world’s top three art fairs, along with Frieze and FIAC(Foire Internationale d’Art Contemporain). From June 15 to 18, Art Basel takes place in its home city of Basel.This year’s Art Basel features 284 galleries, showcasing the work of more than 4,000 artists from five continents.

아트 바젤은 여러 섹션으로 나눠 프로젝트와 전시를 선보인다. ‘갤러리 (Galleries)’ 섹션에서는 참가 갤러리들이 각자 부스를 운영하며 갤러리 소속 작가의 작품을 선보인다. ‘언리미티드 (Unlimited)’ 섹션은 대규모 설치 작품을, ‘피쳐 (Feature)’ 섹션은 20세기와 21세기 작가들의 개인전을, ‘스테이트먼트 (Statements)’ 섹션은 발루아즈(Baloise) 상 수상 후보에 오른 젊고 유망한 작가들의 개인 프로젝트를 선보인다.

Art Basel consists of several sections of projects and exhibitions: in ‘Galleries,’ participating galleries have their booths and showcase the work of their artists; ‘Unlimited’ features large-scale installations; ‘Feature’ shows solo exhibitions by 20th and 21st-century artists; ‘Statements’ presents solo projects by young and promising artists nominated for the Baloise Prize. 

그 외에 판화와 에디션 작품을 전시하는 ‘에디션 (Edition)’ 섹션, 도시 구도심에 장소 특정적 작품으로 이루어진 ‘파쿠르 (Parcours)’ 섹션, 참가 갤러리들이 부스와 별개로 기획 전시를 진행하는 ‘캐비넷 (Kabinett)’ 섹션, 영상 작품을 다루는 ‘필름 (Film)’ 섹션이 있다.

‘Edition’ features prints and editions; ‘Parcours’ indicates site-specific works in the old city town; ‘Kabinett’ presents curated exhibitions of participating galleries; and ‘Film’ features video works.

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환경운동가들 화석 연료 산업과 관련된 뉴욕 현대미술관 이사장에 퇴임 요구

Climate Activists Call For MoMA’s Board Chair with Ties to Fossil Fuel Industry to Step Down

USA_New York

Climate protesters gathered outside MoMA with "MoMA Drop Kravis" sign on July 6. Photo: Maya Pontone/Hyperallergic

기후 위기로 박물관의 운영 방식에 변화가 필요하다는 문제의식이 확산되며, 최근 환경 운동가들은 박물관 자금의 출처에 대해 적극적으로 발언하고 있다. 지난 6월 6일, 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 자금 모금을 위한 연례행사 ‘정원에서의 파티 (Party in the Garden)’가 운영되던 중, 뉴욕의 환경 운동가들은 미술관 외부에서 이사장 마리-호세 크레비스(Marie-Josée Kravis)의 퇴임을 요구하는 시위를 진행했다.

As the climate crisis calls for changes in museum operations, climate activists have recently become more vocal about the sources of museum funding. On June 6, during the Museum of Modern Art’s (MoMA) annual fundraising ‘Party in the Garden,’ New York environmental activists protested outside the museum, demanding the removal of board chair Marie-Josée Kravis.

크레비스의 남편 헨리 크레비스(Henry Kravis)가 공동 설립한 콜버그 크레비스 로버츠 주식회사(Kohlberg Kravis Roberts, KKR)가 석유와 가스 회사에 수십억 달러를 투자했기 때문이다. 운동가들은 화석 연료 산업과 긴밀하게 연결된 크레비스가 박물관 의장인 것에 반대하기 위해 모였으나, 경찰의 개입으로 해산됐다.

Kravis’s husband, Henry Kravis, co-founded Kohlberg Kravis Roberts (KKR), which has invested billions of dollars in oil and gas companies, and protesters objected to Kravis’s close ties to the fossil fuel industry until the police dispersed them.

최근 영국에서도 유사한 시민운동이 있었다. 영국의 거대한 석유 회사인 BP는 1996년 대영 박물관의 후원자가 된 후 최근까지 테이트(Tate), 국립 초상화 갤러리(National Portrait Gallery), 왕립 셰익스피어 컴퍼니(Royal Shakespeare Company), 스코틀랜드 국립발레단(Scottish Ballet), 왕립 오페라 하우스(Royal Opera House)의 운영 자금을 지원해 왔다. 그러나 지난 몇 년간 박물관이 화석 연료를 사용하는 기업의 자금을 받는 것에 반대하는 시민 운동이 있었고, 대영 박물관은 6월 초 더 이상 BP의 후원을 받지 않을 것이라고 발표했다.

There was a similar civil protest in the UK recently. British oil giant BP became a patron of the British Museum in 1996 and until recently, funded the operations of the Tate, the National Portrait Gallery, the Royal Shakespeare Company, the Scottish Ballet, and the Royal Opera House. However, in the past few years, there have been protests against museums accepting funding from fossil fuel companies, and the British Museum announced in early June that it would end its BP sponsorship deal.

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피츠버그 카네기 미술관: 사적인 삶을 그린 조안 브라운 회고전

Joan Brown’s Private Paintings at Carnegie Museum of Art, Pittsburgh

USA_Pittsburgh

Joan Brown, ‘The Night Before the Alcatraz Swim,’ 1975, GUC Collection, Highland Park, Illinois; © Estate of Joan Brown; photo: Michael Tropea

펜실베이니아 피츠버그의 카네기 미술관(Carnegie Museum of Art)은 9월 24일까지 조안 브라운(Joan Brown, 1938-1990)의 회고전을 진행한다. 조안 브라운은 샌프란시스코 해안 출신의 화가로, 가족과 자신을 그린 대형 인물화로 잘 알려졌다.

The Carnegie Museum of Art in Pittsburgh, Pennsylvania, presents a retrospective of Joan Brown (1938-1990) through September 24. Joan Brown, an artist from the San Francisco Bay Area, is best known for her large-scale portraits of her family and herself.

자전적인 소재와 유희적이고 환상적인 화풍이 특징으로, 한때는 비평가들에게 진지하지 않은 작품이라고 저평가되기도 했으나 최근 재평가가 이루어지고 있다. 전시는 샌프란시스코 현대미술관(SF MoMA)에서 먼저 선보였으며, 지난 3월 막을 내린 후 카네기 미술관에 도착했다.

Characterized by autobiographical subject matter and a playful, fantastical imagination, her works were once dismissed by critics as insincere but have recently been gaining reevaluation. The exhibition was first shown at the San Francisco Museum of Modern Art (SF MoMA) until March and arrived at the Carnegie Museum of Art last May.

전시는 브라운이 1950년대 샌프란시스코에서 미술 학교에 다니며 추상회화를 그리던 시기의 작품에서 시작해 점차 구상회화를 그리게 된 흐름을 연대기 순으로 보여준다. 미술계의 인정에 연연하지 않고 자신의 사적인 삶을 그리고자 한 브라운의 고유한 회화 세계를 선보인다.

The exhibition chronologically traces Brown’s progression from abstract paintings from her art school period in San Francisco in the 1950s to figurative paintings in later years. It delivers Brown’s unique approach to painting, in which she sought to portray her private life without caring for art world recognition.

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리버사이드, 미국의 멕시코계 사람들에 관한 전시 “Xican–a.o.x. Body”

“Xican–a.o.x. Body” in Riverside talks about people of Mexican Descents in USA

USA_Riverside

Patssi Valdez,‘Hot Pink (still),’ 1980-1983. Digitized 35 mm video, color, sound. Courtesy the artist and American Federation of Arts.

미국 캘리포니아 남부에 위치한 치치 센터(치카노 예술, 문화 및 산업을 위한 치치 마린 센터, The Cheech Marin Center for Chicano Art, Culture & Industry of Chicano Art Museum)는 6월 17일부터 “Xican–a.o.x. Body”를 선보인다. 전시는 내년 1월까지 진행된다.

The Cheech Marin Center for Chicano Art, Culture & Industry in Southern California, USA, presents “Xican-a.o.x. Body” beginning June 17. The exhibition runs through January of next year.

‘Xican-’은 미국의 멕시코계 사람들을 지칭하는 접두사이며, ‘-a’, ‘-o’, ‘-x’는 각각 남성형, 여성형, 젠더 중립적 접미사이다. 전시의 제목 “Xican–a.o.x. Body”은 미국의 멕시코계 사람들의 문화적 정체성 문제를 다루는 동시에 신체와 성적 정체성의 다양성을 아우르려는 의도를 드러낸다.

‘Xican-‘ is a prefix that refers to people of Mexican descent in the United States, while ‘-a,’ ‘-o,’ and ‘-x’ are masculine, feminine, and gender-neutral suffixes, respectively. The title of the exhibition, “Xican-a.o.x. Body,” reflects the curatorial intention to address issues of cultural identity for people of Mexican descent in the United States, while also encompassing the diversity of bodies and sexual identities.

전시는 다양한 민족적, 문화적, 인종적, 성적 정체성의 남미계 작가들을 소개하며, 그들의 예술의 탈식민화되고 창조적인 면모에 주목한다. 1960년대 후반부터 현대까지 멕시코계 문화와 예술의 다양한 장르를 한데 모아 70여 명 작가와 콜렉티브의 125개 작품을 선보이며, 전시되는 작품은 자동차, 시, 도자기, 회화, 사진, 조각, 영화 등 대중예술과 전통적인 고급 예술을 오간다.

The exhibition presents Latin American artists of diverse ethnic, cultural, racial, and sexual identities, drawing attention to the decolonized and creative aspects of their art. Bringing together various genres of Mexican-American culture and art from the late 1960s to the present, the exhibition features 125 works by more than 70 artists and collectives, and the works on display move between popular and traditional high art, including automobiles, poetry, ceramics, painting, photography, sculpture, and film.

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홍콩, M+: 안젤라 수 개인전

Angela Su Presents Solo Show at M+, Hong Kong

Hong Kong

Installation view of Angela Su’s “Angela Su proudly presents: Lauren O—The Greatest Levitator in the Polyhedric Cosmos of Time” at M+, Hong Kong, 2023. Photo: Lok Cheng

홍콩 M+는 10월 8일까지 안젤라 수(Angela Su, b. 1970s)의 개인전 “안젤라 수가 자랑스럽게 소개합니다: 로렌 오-시간의 다면체인 우주의 가장 위대한 공중부양자 (Angela Su proudly presents: Lauren O—The Greatest Levitator in the Polyhedric Cosmos of Time)”을 선보인다.

Hong Kong M+ presents Angela Su’s (b. 1970s) solo exhibition “Angela Su proudly presents: Angela Su proudly presents: Lauren O-The Greatest Levitator in the Polyhedric Cosmos of Time” through October 8.

안젤라 수는 지난 2022년 제59회 베니스 비엔날레에서 홍콩을 대표한 국제적인 작가로, 이번 전시는 베니스에 출품했던 작품을 변형해 선보인다. 수는 과학의 역사와 신체에 대한 담론에 관심을 가지고 리서치에 기반한 드로잉, 비디오 에세이, 텍스트, 퍼포먼스와 설치 작업을 진행한다.

Angela Su is an internationally recognized artist who represented Hong Kong at the 59th Venice Biennale in 2022, and this exhibition presents the adaptation of her work from Venice. Su has developed interests in the history of science and the discourse on the body and works on research-based drawings, video essays, texts, performances, and installations.

이번 전시에서 수는 미국 출신의 수수께끼 같은 인물인 로렌 오(Lauren O)를 소개한다. 로렌 오는 미국의 1960년대 반전 운동에서 중요한 역할을 했던 인물인데 공중 부양을 할 수 있었다. 수는 변신과 공주부양에 대한 집착을 드러내는 로렌 오의 기록을 작품으로 엮었다.

For this exhibition, Su introduces Lauren O, an enigmatic figure from America. Lauren O played an important role in the 1960s anti-war movement in the United States and was able to levitate. Su weaves together Lauren O’s archives which reveal her obsession with transformation and princess levitation.

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밀레니얼 세대가 설립한 베이징 X 뮤지엄과 “X Pink 101” 전시

Beijing’s Millennial-Founded X Museum and Its “X Pink 101” Exhibition

China_Beijing

Graphic Design: STUDIO DPi, 2023. ⒸX Museum.

베이징의 X 뮤지엄(X Museum)은 2020년 설립된 사립 미술관으로, 마이클 쉬푸 황(Michael Xufu Huang)과 테레사 체(Theresa Tse)가 설립했다. 두 사람은 20대 중반의 젊은 컬렉터와 사업가로, 젊지만 막대한 영향력을 가진 두 사람의 만남을 통해 미술관은 개관 전부터 국제적인 주목을 끌었지만, 개관한 지 얼마 안 돼 팬데믹의 타격을 받았다.

The X Museum in Beijing is a private art museum founded in 2020 by Michael Xufu Huang and Theresa Tse. The partnership of the two influential millennials, each collector and entrepreneur in their mid-20s, attracted international attention, but the museum faced the pandemic shortly after its opening.

지난 5월 X 뮤지엄은 베이징의 798 예술구(798 Art Zone) 근방의 전 직물 공장으로 이사해 재개관했다. 이사 후 첫 전시로 X 뮤지엄은 8월 6일까지 “X Pink 101”을 선보인다. 분홍색이라는 주제 아래 컬렉션의 49개 작품을 모았으며, 주요 참여 작가로는 Antonio Obá, Christina Quarles, Heidi Bucher, Jes Fan, Zéh Palito, Zhang Zipiao가 있다.

In May, X Museum moved its location and reopened in a former textile factory near Beijing’s 798 Art Zone. For its inaugural exhibition in the new place, X Museum is presenting “X Pink 101” through August 6. It brings together 49 works from the collection under the theme of pink, with featured artists including Antonio Obá, Christina Quarles, Heidi Bucher, Jes Fan, Zéh Palito, and Zhang Zipiao.

전시의 작품들은 사회적・문화적 구조 아래서 끊임없이 유동하는 신체와 정체성의 개념, 이성적 사고에 저항하는 무의식 차원의 꿈과 환상, 기술의 발전이 세계의 생명체에 미칠 영향을 다룬다.

The works in the exhibition address concepts of the body and identity in constant flux under social and cultural structures, unconscious dreams and fantasies, and the impact of technological progresses on life.

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